Het genre van het minimalisme komt tot uiting in verschillende kunstvormen: schilderkunst, muziek en literatuur. Het ontstond in de jaren 60 van de twintigste eeuw en ontstond als reactie op het abstract expressionisme. Minimalisten probeerden afstand te nemen van de expressieve kenmerken van het abstract expressionisme, omdat ze deze werken te pompeus vonden en de essentie van de kunst zelf bagatelliseerden. Integendeel, kunstenaars van het minimalistische genre probeerden een beeld te creëren van eenvoudige lijnen en figuren. Minimalisme kenmerkt zich door de interpretatie van werken door de ogen van de toeschouwer. Speciaal voor dit kunstwerk worden alle complexe objecten, middelen van zelfexpressie, biografieën en sociale programma's verwijderd. De kijker moet het beeld zien zoals het werkelijk is: vol maagdelijke schoonheid en eerlijkheid.
Door de sterke nadruk op basiselementen stond het genre van het minimalisme bekend als ABC-kunst. De meeste van de meest prominente minimalisten waren beeldhouwers, maar minimalisme kwam ook veel voor in Land Art, een uitloper van het genre dat gericht was op het creëren van kunst in de vorm van landschappen, in wezen een tak van landschapsontwerp.
Minimalisme is ook gericht op de beweging van licht en ruimte, maar veel kunstenaars van dit genre proberen leegte in hun werken weer te geven.
Men geloofde dat minimalisme zijn oorsprong vond in Azië. Voor het werk van veel westerse kunstenaars, zoals Agnes Martin illustreert, heeft het zenboeddhisme een enorme impact gehad. De enorme massa minimalistische kunstenaars werd beïnvloed door het concept van 'leegte' dat ontleend was aan de hindoegeschriften. Mono-ha was een van de grootste minimalistische bewegingen in Azië. Het was de eerste internationaal erkende hedendaagse kunstbeweging in Japan. Mono-ha, ook wel de "School of Things" genoemd, ontstond in het midden van de jaren 60 van de twintigste eeuw en werd toen een innovatieve kunststroming. Deze groep werd geleid door Li Ufang en Nobuo Sekine. Het was de enige vereniging die haar activiteiten positioneerde als "niet-creativiteit" activiteiten. Dergelijke groepen verwierpen traditionele ideeën over representatie. Hun wens was om de wereld te onthullen door interactie met materialen en hun eigenschappen, vergelijkbaar met de westerse trend van minimalisme.
We bieden voor het bekijken van de beroemdste werken van minimalistische kunst, met de nadruk op het behoren tot dit genre. Je krijgt ook schilderijen en sculpturen te zien die traditionele ideeën over kunst in het algemeen vernietigen, omdat ze de onderlinge verschillen hebben uitgewist.
Frank Stella "Banners hemelwaarts!" (1995)
Frank Stella wordt als schilder, beeldhouwer en graficus beschouwd als een van de meest invloedrijke Amerikaanse kunstenaars die vandaag de dag leven. Zijn schilderijen, vol strepen en grandioze prints, brachten niet alleen een revolutie teweeg in de wereld van het minimalisme, maar ook in de abstractie. De auteur merkt op dat de grootste invloed op zijn werk werd geleverd door de abstracte kunstenaars Pollock en Klein. Maar door de wil van het lot werd Frank Stella een van de grondleggers van het minimalisme.
"Banners op!" genoemd naar het marslied van de nazi's, maar alles behalve de naam van de foto lijkt geen betekenis te hebben. Dit werk maakt deel uit van een grote cyclus van Stella's donkere werken. De lichte lijnen, duidelijk zichtbaar op de foto, zijn slechts een onbehandeld canvas tussen brede zwarte strepen. Dit monochrome werk is een van de beroemdste schilderijen die de abstracte beweging uitdaagt.
Robert Morris, Zonder titel (Spiegelblokjes) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" van Robert Morris onthult hem niet alleen als de maker van het minimalistische genre, maar ook als een conceptueel genre. De auteur kwam grote grijze dozen van multiplex tegen die als decoratie werden gebruikt terwijl hij nog optrad met een balletgezelschap. In zijn werk bedekte hij deze dozen met spiegels, waardoor de manier van waarnemen veranderde en nieuwe visuele eigenschappen aan eenvoudige grijze kubussen werden toegevoegd. De compositie is gericht op de directe interactie van de kijker met het object: lopend tussen de gespiegelde kubussen botsen de kijkers onwillekeurig op zichzelf en blijven ze als alleen met hun gedachten, maar alleen met iedereen. Het bewonderen van een kunstwerk wordt plotseling onderbroken door het zoeken. Het is op deze basis dat de "invasie" van de galerieruimte plaatsvindt. Een persoon begint de aanwezigheid van kunst buiten het zichtbare te voelen.
Agnes Martin, Terug naar de wereld (1997)
Agnes Martin schilderde schilderijen die op geen enkele manier objecten uitbeeldden, maar hun namen benadrukten de sterke charme van de natuur. Martin's werk werd herkend door een raster dat minimalisme en kleurenschema combineert. Het raster werd gebruikt om de ruimte van het canvas te organiseren. Ze heeft geholpen bij het creëren van een eindeloze verscheidenheid aan rustgevende werken in subtiele kleurenschema's.
Martin is sterk beïnvloed door het zenboeddhisme en het taoïsme en heeft het grootste deel van haar leven zeer onthecht van de wereld gestaan, zelfs in New Mexico. Op 40-jarige leeftijd werd bij haar schizofrenie vastgesteld. "Back to the World" werd geschreven in haar 9e levensdecennium. Ze zat toen in een verzorgingstehuis. De strepen van blauw, perzik en geel benadrukten nog steeds de exclusiviteit van kunst in een wereld vol corruptie, dus verkleinde ze het formaat van haar doeken om er minder moeite mee te hebben.
Ellsworth Kelly, rood, geel, blauw II (1953)
Dienst tijdens de Tweede Wereldoorlog had een duidelijke impact op Ellsworth Kelly. In zekere zin werd het gebruikt als observatie van natuur en architectuur, en vervolgens werd het in de praktijk toegepast. Een zorgvuldige studie van abstractie door de auteur en de toepassing ervan in zijn werken ontwikkelde minimalisme. De serie schilderijen "Rood, Geel, Blauw" beïnvloedde de manier van schilderen. Het werd gemaakt zodra Kelly de eindeloze mogelijkheden van monochroom kleurenspectrum, willekeur en compositie met meerdere panelen ontdekte.
Rood Geel Blauw II bestaat uit zeven panelen. Het centrale zwarte paneel is zowel een scheidingspaneel als drie panelen aan elke kant. Blauwe panelen aan de uiteinden accentueren Kelly's compositie. Het is dit werk dat wordt beschouwd als een van zijn beste werken, evenals het grootste werk tijdens zijn verblijf in Parijs.
Sol Levitt, Geschilderde Muren
Sol Levitt heeft in 40 jaar van zijn carrière 1.350 muren geschilderd, waarvan 3.500 installaties op 1.200 locaties. De ontwerpen waren totaal verschillend: van rechte strepen aangebracht met zwarte leisteen, tot veelkleurige golvende lijnen, monochrome geometrische vormen en lichte ruimtes beschilderd met acryl. De auteur verwierp het traditionele belang van de eigen hand van de maker, waardoor hij anderen kon helpen bij het maken van zijn kunstwerk. Zijn muurschilderingen namen de vorm aan van de ruimtes die ze innamen, daarom werden ze onderworpen aan studie op het gebied van architectuur en kunst.
Levitt stierf in 2007, maar zijn werk blijft leven, omdat de geest van de kunstenaar erin is verankerd. Tegenwoordig zijn er verschillende kunstenaars die weigeren zijn muurschilderingen opnieuw te maken, waardoor ze muren over de hele wereld kunnen versieren.
Judy Chicago, Regenboogpiket (1965)
De Rainbow Picket is een installatie ter grootte van een kamer. Het bestaat uit zes trapeziums, verschillend van kleur en lengte. Naast de eerste solotentoonstelling in de Rolf Nelson Gallery in Los Angeles (januari 1966), was dit werk te zien in de fundamentele tentoonstelling "Basic Structures" in het Joods Museum.Clement Greenberg, vermaard criticus, noemde dit werk het beste op dit gebied. In 2004 werd de Rainbow Picket gereconstrueerd en later werd het object het kenmerk van LAMOCA "Minimalistic Future? Kunst als object (1958-1968)".
Door dit soort werken te maken en de mogelijkheden van kleur te testen met haar zelfgemaakte ruimtelijke patronen en schema's, werd Judy Chicago beroemd als vernieuwer in het minimalistische genre.
Dan Flavin, "Zonder titel (naar Harold Joachim) 3" (1977)
"Untitled (after Harold Joachim) 3" is een van de vele werken van Dan Flavin. Het bestaat uit LED-lampen en metalen clips. De auteur bestudeerde drie decennia de mogelijkheden van fluorescerend licht en voerde zijn werk alleen uit met in de handel verkrijgbare materialen. Nadat hij afstand had gedaan van de concepten van abstract expressionisme, begon Flavin dergelijke apparatuur te gebruiken en introduceerde het vervolgens in de wereld van de hoge kunst. Op het eerste gezicht lijkt het werk zo eenvoudig mogelijk, maar als je goed kijkt, zie je een diepe verfijning van het werk.
De werken van Flavin hebben de neiging om verder te gaan dan de ruimte waarin ze zich bevinden, dankzij het spel van licht en een verscheidenheid aan kleurenpaletten. De objecten laten de kijker baden in de warme gloed van de LED's en creëren zo een specifieke sfeer.
Eva Hesse, "Een naamloos werk (stukjes touw)" (1970)
Eva Hesse werd geboren in Duitsland. We kennen haar nu als een innovatieve Amerikaanse beeldhouwer in het werken met latex, glasvezel en plastic. Ze legde de basis voor de ontwikkeling van het postminimalisme in de jaren 60 van de twintigste eeuw. De auteur onderzocht de eigenschappen van de eenvoudigste materialen voor gebruik in illustraties voor nog veel meer.
"The Nameless Work (Pieces of Rope)" werd gemaakt in 1970, toen Hesse al op de rand van de dood stond, en werd voltooid met de hulp van haar kameraden. De tentoonstelling is gemaakt van latex gespannen over touw, vislijn en draad en opgehangen aan het plafond. Het simuleert een verward patroon in de ruimte. Hesse heeft afstand genomen van de traditionele netheid van het minimalisme, maar haar manieren om materiaal te presenteren worden binnen het genre waargenomen.
Donald Judd, baan zonder titel (1980)
Donald Judd ontkent heftig zijn connectie met minimalisme. Desondanks is hij een van de grondleggers. In het begin van de jaren 60 van de twintigste eeuw ontdekte de auteur een zekere vijandigheid jegens Europese artistieke waarden, dus verliet hij het werk van een beeldhouwer en begon hij werken te maken die niet konden worden toegeschreven aan een van de bovenstaande secties van kunst. Zijn werk is ook tentoongesteld bij Major Structures in New York.
In de jaren 80 begon Judd hangende, verticale planken te maken. Een voorbeeld hiervan is "werk zonder titel" (1980). Dit soort werk kan tot nu toe niet aan de schilderkunst worden toegeschreven. Geen sculptuur. het werk is gemaakt van 2 materiaalsoorten: aluminium en plexiglas. Dit wordt gedaan zodat de kijker nadenkt over het tegenstrijdige karakter van kunst: de ondoorzichtige en obsessieve figuren van de zijkant zijn verbonden met de diepten van de ruimte ervoor.
We raden aan om te kijken naar:
MINIMALISME in het algemeen begrijpen, waarom het ons in musea wordt getoond. Hoe minimalisme zich begon te ontwikkelen en hoe het ons leven beïnvloedde!
